El género lírico en la Antigüedad Grecolatina.

 

Federico Schiller

Federico Schiller (1759-1805) fue un influyente escritor, filósofo y poeta alemán. Estudió Derecho y Medicina en una academia militar y se interesó por Kant y Goethe. Su obra más famosa, "Los bandidos", fue polémica y prohibida, lo que lo llevó a huir de Stuttgart. En Mannheim, escribió "Intriga y amor" y comenzó "Don Carlos". En 1789, se convirtió en profesor en Jena y se casó con Charlotte von Lengefeld. A pesar de problemas de salud, continuó creando obras significativas, como "Historia de la Guerra de los Treinta Años". Fundó la revista "Die Horen" con Goethe y escribió dramas como "María Estuardo". Ennoblecido en 1802, su legado perdura en el Clasicismo de Weimar, donde buscó equilibrar razón y sentimiento en su obra.

Pablo Gutiérrez

Pablo Gutiérrez es un escritor español contemporáneo, nacido en Granada, reconocido por su habilidad para crear relatos profundos y emocionales. Su obra explora temas como la memoria, la identidad y las complejidades de la condición humana. Aunque no es una figura mediática, ha ganado prestigio por la calidad de su escritura y su estilo narrativo distintivo. Sus obras han sido traducidas a varios idiomas y destacan por un tono introspectivo y un enfoque en los aspectos emocionales de los personajes.

Entre sus obras más destacadas se encuentran:

"El año del viento" (2010): Esta novela, probablemente su obra más conocida, examina la memoria y el tiempo a través de la historia de un protagonista que intenta reconstruir su pasado a partir de recuerdos fragmentados, utilizando el viento como un símbolo recurrente.

"Cuentos completos" (2014): Una colección de relatos que reflejan su estilo particular, con historias cortas que profundizan en las relaciones humanas y situaciones extremas, a menudo cargadas de simbolismo.

"La soledad del caracol" (2018): En esta novela, Gutiérrez se sumerge en la introspección emocional de un narrador que enfrenta sus demonios internos, abordando temas como el aislamiento y la búsqueda de propósito.

Su estilo literario es conocido por crear atmósferas densas y emocionalmente cargadas, con una estructura narrativa no lineal que imita la fragmentación de la memoria. Sus obras suelen explorar temas como la memoria engañosa, la soledad y el paso del tiempo, contribuyendo a su creciente reconocimiento en la literatura española contemporánea.

Ángel de Saavedra (Duque de Rivas)

Ángel de Saavedra, conocido como el Duque de Rivas, fue un poeta, dramaturgo y político español nacido en 1791 en Córdoba. Es considerado una figura fundamental del Romanticismo español, un movimiento que promovió la expresión emocional y la individualidad. Su vida estuvo marcada por eventos históricos significativos, como la Guerra de la Independencia y la Restauración absolutista, lo que influyó tanto en su obra literaria como en su compromiso político.

Su obra más notable es "Don Álvaro o la fuerza del sino" (1835), una tragedia que narra la historia de amor y destino trágico de Don Álvaro, atrapado por circunstancias que lo conducen al sufrimiento. A lo largo de su vida, también escribió "Poesías" (1828), que recoge su lírica melancólica y apasionada, y "La conjuración de Venecia" (1829), que refleja ideales románticos.

El estilo de Saavedra se caracteriza por su enfoque en las emociones y el sufrimiento humano, alejándose de las estrictas normas clásicas. Fue un ferviente defensor del liberalismo y participó activamente en la política española, aunque su carrera política se vio afectada por los cambios en el régimen.

Saavedra falleció en 1865, y su legado ha perdurado como una figura clave en la transición hacia el Romanticismo en España, especialmente en el ámbito del teatro y la tragedia.

   Víctor Hugo

Víctor Hugo, nacido el 26 de febrero de 1802 en Besançon, Francia, es considerado uno de los más grandes escritores de la literatura francesa y una figura central del Romanticismo. Desde joven mostró un talento literario excepcional y, a lo largo de su vida, abordó temas universales como la injusticia social, el sufrimiento y la lucha por la libertad.

Sus obras más destacadas incluyen "Los miserables" (1862), una novela épica que sigue la vida de Jean Valjean, un exconvicto que busca redención mientras enfrenta las injusticias de la sociedad. También es famoso por "Nuestra Señora de París" (1831), que narra la historia del jorobado Quasimodo y su amor por la gitana Esmeralda, mientras destaca las luchas sociales de su época.

Hugo fue un activista político apasionado, defensor de los derechos humanos y la abolición de la pena de muerte. Su oposición al régimen de Napoleón III lo llevó al exilio, donde continuó escribiendo obras influyentes. A pesar de sus desafíos, su legado perdura: es celebrado no solo por su genialidad literaria, sino también por su compromiso con causas sociales.

Murió el 22 de mayo de 1885, y su funeral fue un evento masivo en Francia. Su impacto en la literatura y la cultura ha sido incalculable, y sus obras siguen siendo estudiadas y apreciadas en todo el mundo.

Teatro de la Ilustración

El teatro de la Ilustración, que floreció en el siglo XVIII, reflejó los ideales de este movimiento, centrados en la razón, el progreso y la crítica a las estructuras autoritarias. Se convirtió en un medio para abordar la moral, la política y la sociedad, promoviendo la educación del público y valores racionales.

Carlo Goldoni

Carlo Goldoni (1707-1793) fue un dramaturgo italiano que transformó la comedia veneciana, alejándose de la improvisación de la Commedia dell'Arte hacia un teatro estructurado con personajes realistas. Escribió más de 150 comedias, destacando "El padre de familia" y "Las mujeres sabias". Su teatro se caracteriza por el realismo, la crítica social y una fusión de comedia con reflexión.

Denis Diderot

Denis Diderot (1713-1784) fue un filósofo y enciclopedista francés, conocido por su contribución a La Enciclopedia. Defensor del materialismo y crítico social, influyó en la evolución del pensamiento moderno y el teatro. Sus obras, como "El pariente pobre" y "La religiosa", examinan la naturaleza humana y la crítica a las jerarquías sociales.

Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais

Beaumarchais (1732-1799) es famoso por sus comedias "Le Barbier de Séville" y "Le Mariage de Figaro", que critican la sociedad y la aristocracia. Su teatro mezcla ingenio y subversión, dejando un legado duradero que resonó en tiempos de cambio, como la Revolución Francesa.

Leandro Fernández de Moratín

Moratín (1760-1828) fue un dramaturgo español que renovó el teatro neoclásico en España. Sus obras, como "El sí de las niñas", abordan la crítica social, la moral y el papel de la mujer. Defensor de la razón y la educación, su legado es fundamental para la transición hacia el teatro moderno en España.

Luigi Pirandello (1867-1936)

Luigi Pirandello fue un influyente escritor, dramaturgo y novelista italiano, nacido en Caos, Sicilia. Reconocido principalmente por su innovación en el teatro moderno, recibió el Premio Nobel de Literatura en 1934. Su obra se caracteriza por la exploración del relativismo psicológico y la ambigüedad de la identidad y la realidad.

Características de su obra

Teatro del Absurdo y lo Incierto: Pirandello desafió las convenciones teatrales, cuestionando las certezas de la vida y cómo las personas construyen sus identidades a partir de las expectativas sociales. Su teatro a menudo deconstruye las formas narrativas tradicionales.

Crisis de la identidad: En sus obras, aborda la idea de que la identidad es fluida y construida a partir de percepciones externas e internas. Los personajes enfrentan contradicciones y luchas entre su verdadero yo y las máscaras que deben usar.

Metateatro: Muchas de sus obras presentan una estructura de teatro dentro del teatro, revelando tensiones entre ficción y realidad. Esto se observa claramente en su obra más famosa, "Seis personajes en busca de autor".

Obras más conocidas

"Seis personajes en busca de autor" (1921): Una de las obras más influyentes del teatro moderno, donde un grupo de personajes interrumpe una representación para buscar que el autor les dé vida. La obra explora los límites entre ficción y realidad.

"El difunto Matías Pascal" (1904): Una novela sobre un hombre que finge su propia muerte para escapar de su vida, solo para darse cuenta de que no puede escapar de sí mismo. Reflexiona sobre la libertad y las identidades construidas socialmente.

"Enrico IV" (1922): La historia de un hombre que, tras un accidente, asume la identidad de un emperador medieval. La obra reflexiona sobre el poder y la percepción de la realidad.

"El hombre, la bestia y la virtud" (1919): Una comedia que aborda conflictos morales y la hipocresía social a través de enredos y malentendidos.

Eugene O'Neill (1888-1953)

Eugene O'Neill fue un destacado dramaturgo estadounidense, considerado uno de los más grandes autores en la historia del teatro occidental. Su obra se centra en los conflictos internos, las relaciones familiares y temas existenciales, y recibió el Premio Nobel de Literatura en 1936, así como cuatro Premios Pulitzer.

Características de su obra

Exploración de la psique humana: O'Neill profundiza en los aspectos oscuros de la mente, creando personajes que enfrentan dilemas existenciales y tensiones emocionales.

Temas recurrentes:

Destino y fatalidad: Analiza cómo las elecciones de vida influyen en el destino de los personajes.

Sufrimiento humano: Sus obras abordan la soledad y la lucha por encontrar sentido en un mundo confuso.

Alcoholismo y adicción: Su propia experiencia con el alcoholismo se refleja en muchos de sus personajes.

Realismo psicológico: Es pionero del teatro realista en EE. UU., alejándose del melodrama para explorar la complejidad emocional de sus personajes.

Influencia del simbolismo y el expresionismo: Utiliza simbolismo para profundizar en las emociones y técnicas teatrales no convencionales.

Obras más conocidas

"La luna sobre el río" ("Long Day's Journey into Night", 1941): Una obra semi-autobiográfica que explora temas de adicción y sufrimiento familiar.

"Más allá del horizonte" ("Beyond the Horizon", 1920): La historia de una familia de agricultores enfrentando realidades duras y decisiones que marcan sus destinos.

"El gran dios Brown" ("The Great God Brown", 1926): Explora la identidad y la dualidad humana a través de simbolismo y expresionismo.

"El emperador Jones" ("The Emperor Jones", 1920): Una obra que trata el poder y la culpa en un contexto de expresionismo.

"Anna Christie" (1921): Narra la búsqueda de redención de una mujer enfrentada a su pasado y su relación con su padre.

"La heredera de la tormenta" ("The Iceman Cometh", 1939): Una crítica social profunda sobre la desilusión y la adicción en un bar.

Vsevolod Meyerhold (1874-1940)

Vsevolod Meyerhold fue un influyente director de teatro, actor y pedagogo ruso, conocido por su radical enfoque en la puesta en escena y su contribución al teatro moderno. Su trabajo lo convirtió en uno de los principales representantes del teatro de vanguardia.

Principales contribuciones y estilo teatral

Biomecánica: Meyerhold desarrolló un sistema llamado biomecánica, que enfatizaba el uso del cuerpo como vehículo de expresión dramática. Influenciado por la teoría de movimientos corporales, su enfoque priorizaba la precisión del gesto y la energía del cuerpo.

Teatro de la forma: A diferencia del realismo, Meyerhold se centraba en la forma y el ritmo, creando producciones abstractas con escenografías estilizadas. Su estilo prefiguró elementos del teatro de lo absurdo.

Rechazo del realismo: Opositor del realismo de Stanislavski, Meyerhold creía que el teatro debía ser una experiencia estética transformadora, no una mera representación de la vida.

Influencia del simbolismo y futurismo: Su trabajo se vio enriquecido por estos movimientos, incorporando danza y elementos visuales innovadores.

Entre sus obras destacadas se encuentran:

"La obra de teatro de la naturaleza" (1907)

"El teatro de la forma" (1912)

"El hombre con la flor en la boca" (1905)

Legado

El trabajo de Meyerhold dejó una huella profunda en el teatro del siglo XX, influyendo en el teatro moderno, experimental y físico. Sus métodos de entrenamiento y su estilo visual han impactado a generaciones de artistas y continúan siendo relevantes en el teatro contemporáneo.

Antonin Artaud (1896-1948)

Antonin Artaud fue un influyente escritor, poeta, actor y director de teatro francés, conocido por su innovadora visión sobre la actuación y el teatro como un ritual transformador.

Biografía

Nacido en Marsella, Artaud sufrió problemas de salud desde joven, incluyendo meningitis y episodios de psicosis. A lo largo de su vida, trabajó como actor y director, estudiando en el Conservatorio de París. Su estancia en México le permitió explorar culturas indígenas, influyendo en su concepción del teatro.

Obras clave y teorías

El Teatro y su doble (1938): En este manifiesto, Artaud propone un teatro sensorial que no se basa en el texto literario, sino en el cuerpo, los gestos y los sonidos, buscando una experiencia visceral que transforme al espectador.

Teatro de la Crueldad: Su teoría sugiere que el teatro debe confrontar al público con la oscuridad de la naturaleza humana, explorando emociones extremas y sufrimiento.

Estilo y enfoque artístico

Su obra combina poesía, dramaturgia y teoría filosófica, caracterizándose por una búsqueda de lo absurdo y lo grotesco. Artaud consideraba crucial el uso de la música y el sonido para crear un ambiente teatral que produjera una respuesta emocional intensa.

Otras obras importantes

"Los Cuentos de la Locura" (1936): Explora los límites de la cordura.

"Van Gogh, el suicidado por la sociedad" (1947): Examina la vida de Vincent van Gogh y su sufrimiento.

Federico García Lorca (1898-1936)

Lorca fue un destacado poeta y dramaturgo español, conocido por su exploración de la identidad, la pasión y el sufrimiento humano. Nació en Fuente Vaqueros, Granada, y estudió en la Universidad de Granada, donde desarrolló su amor por las artes.

Vida y Contexto: Se trasladó a Madrid en 1919, donde se unió a la Generación del 27 y fue influenciado por el surrealismo y el folclore andaluz. Su orientación sexual y postura política lo convirtieron en una figura controvertida. Fue asesinado durante la Guerra Civil Española en 1936.

Obra:

Poesía: Destacan obras como "Poema del Cante Jondo", que celebra la tradición flamenca, y "Romancero gitano", que aborda la muerte y el amor imposible. "Poeta en Nueva York" refleja su experiencia en la ciudad, marcada por la alienación.

Teatro: Sus obras, como "La Casa de Bernarda Alba", abordan la opresión social y el destino trágico, mientras que "Bodas de Sangre" explora la violencia y las pasiones reprimidas.

Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936)

Valle-Inclán fue un innovador escritor español, conocido por su estilo único y su capacidad para experimentar con géneros literarios. Nacido en Galicia, se trasladó a Madrid para estudiar derecho, pero su verdadera vocación era la literatura.

Vida y Contexto: Formó parte de la "Generación del 98", un grupo de escritores que buscó renovar la literatura española en tiempos de crisis social. Era conocido por su carácter excéntrico y su vida bohemia.

Obra:

Teatro: Valle-Inclán es famoso por el "esperpento", un estilo grotesco que critica la realidad social. Obras como "Luces de Bohemia" presentan una sátira de la sociedad española.

Novelas: En "Sonatas", mezcla modernismo con reflexiones sobre el amor y el tiempo. "Tirano Banderas" es una sátira política contra el autoritarismo.

Eugène Ionesco (1909-1994)

Uno de los principales exponentes del Teatro del Absurdo, exploró la incomunicación humana y el sinsentido de la existencia.

Vida y Contexto: Creció en un entorno multicultural y estudió literatura en Bucarest. Se trasladó a Francia en 1942, donde inició su carrera teatral.

Obras Destacadas:

La cantante calva (1950): Sátira sobre la banalidad del lenguaje.

La lección (1951): Reflexión sobre el poder y la violencia en la educación.

Rinoceronte (1959): Alegoría sobre la conformidad y el totalitarismo.

Temas y Estilo: Uso del absurdo, crítica social y simbolismo para cuestionar la realidad y la comunicación humana.

Legado: Su obra sigue siendo influyente y representada en todo el mundo, marcando el teatro moderno con su enfoque innovador.

Samuel Beckett (1906-1989)

Escritor irlandés y figura clave del Teatro del Absurdo, exploró la soledad, el sinsentido de la vida y la incomunicación humana.

Vida y Contexto: Estudió en el Trinity College y se trasladó a París en los años 30. Durante la Segunda Guerra Mundial, participó en la resistencia francesa, lo que influyó en su visión del mundo.

Obras Destacadas:

Esperando a Godot (1953): Dos personajes esperan en vano a un tal Godot, reflejando la incertidumbre y el absurdo de la existencia.

Fin de partida (1957): Historia de dependencia en un entorno post-apocalíptico.

La última cinta de Krapp (1958): Monólogo sobre la memoria y el paso del tiempo.

Temas y Estilo: Minimalismo, diálogo fragmentado y escenarios desolados para representar la alienación y la desesperanza humana.
Legado: Ganador del Premio Nobel de Literatura (1969), su obra sigue siendo influyente y representada en todo el mundo.

Fernando Arrabal (1932 - )

Escritor, dramaturgo y cineasta español, vinculado al Teatro del Absurdo y el surrealismo, con un estilo provocador y transgresor.

Vida y Contexto: Creció en un entorno marcado por la Guerra Civil Española. En 1955, se exilió en Francia debido a su oposición al franquismo.

Obras Destacadas:

El triciclo (1962): Teatro con humor y crítica social.

Viva la muerte (1971): Película de gran carga simbólica y política.

Novelas como La casa de los sueños y El jardín de las máquinas parlantes.

Temas y Estilo: Uso del absurdo y el surrealismo, con una fuerte crítica social y un enfoque visual y poético.

Albert Camus (1913-1960)

Filósofo, escritor y periodista francés, vinculado al absurdismo y al existencialismo, aunque rechazaba esta etiqueta.

Vida y Contexto: Nació en Argelia y creció en un entorno humilde. Estudió filosofía y trabajó como periodista, participando en la resistencia francesa.

Obras Destacadas:

El extranjero (1942): Novela sobre la alienación y el absurdo.

El mito de Sísifo (1942): Ensayo filosófico sobre el sentido de la vida.

Temas y Estilo: Reflexiona sobre el absurdo, la libertad y la rebelión frente a la falta de sentido.

Legado: Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1957 y su pensamiento sigue influyendo en la filosofía y la literatura.

Jean-Paul Sartre (1905-1980)

Filósofo, novelista y dramaturgo francés, considerado el máximo exponente del existencialismo.

Obras Destacadas:

La náusea (1938): Novela sobre la angustia existencial.

El ser y la nada (1943): Obra filosófica clave del existencialismo.

El existencialismo es un humanismo (1946): Ensayo sobre la responsabilidad individual.

Temas y Estilo: Explora la libertad absoluta, la angustia y la responsabilidad moral.

Legado: Rechazó el Premio Nobel de Literatura en 1964. Su obra ha influido en la filosofía, la literatura y el activismo político.

John Williams (1932 - )

Compositor y director de orquesta estadounidense, considerado uno de los más influyentes en la historia del cine.

Carrera Musical: Estudió en la Juilliard School y la UCLA. Inició su carrera como pianista y arreglista en los años 50.

Obras Destacadas:

Star Wars (1977) – Banda sonora icónica del cine.

Jaws (1975) – Creó tensión con un simple motivo de dos notas.

Indiana Jones (1981) – Música de aventura inolvidable.

E.T. (1982) – Emotiva y evocadora.

Harry Potter (2001) – Dejó su huella en la saga.

Estilo y Temas: Orquestación grandiosa, influencias clásicas y una gran capacidad para potenciar la narrativa emocional.

Dario Fo (1926-2016)

Dramaturgo, actor y director italiano, conocido por su teatro satírico y compromiso político.

Vida y Activismo: Estudió Bellas Artes y usó el teatro como herramienta de crítica social.

Obras Destacadas:

Muerte accidental de un anarquista (1970) – Sátira sobre la corrupción policial.

El hijo de P... (1977) – Crítica social con humor.

La torre de los vientos (1979) – Explora la opresión y las relaciones humanas.

Estilo y Temas: Comedia y sátira para denunciar injusticias, interacción con el público y mezcla de géneros teatrales.

Reconocimientos: Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1997 por dar voz a los oprimidos.

Legado: Su teatro sigue siendo una referencia en la crítica política y social.

       TEATRO EN LA LITERATURA RENACIMIENTO AL BARROCO

La Comedia del Arte fue una forma teatral muy popular en Italia entre los siglos XVI y XVII, durante el paso del Renacimiento al Barroco. Se distinguía por su improvisación, ya que los actores seguían una trama base pero creaban los diálogos en el momento, lo que daba frescura a las obras. Utilizaban máscaras para representar personajes fijos o arquetípicos como el sirviente astuto o el viejo avaro.

Las compañías eran itinerantes, actuaban en plazas y escenarios improvisados, lo que permitía llegar a un público amplio. Las historias eran cómicas, centradas en amores cruzados, engaños e intrigas sociales, pero también reflejaban críticas a la sociedad. El lenguaje era coloquial y el estilo muy físico y gestual, facilitando la conexión con el público.

La ruptura de las unidades dramáticas, que tradicionalmente regían las obras teatrales siguiendo las reglas clásicas de Aristóteles (unidad de tiempo, lugar y acción), fue un cambio clave en la evolución del teatro durante el Renacimiento y el Barroco, tanto en Inglaterra como en España.

En Inglaterra, los dramaturgos de la época isabelina, como William Shakespeare, fueron pioneros en desafiar las convenciones del teatro clásico. Shakespeare no siguió estrictamente las unidades dramáticas, creando obras como Hamlet y Macbeth, en las que los eventos ocurren en múltiples lugares y a lo largo de periodos de tiempo extensos. Esta flexibilidad en la estructura permitió a Shakespeare explorar tramas más complejas y mezclar géneros, como la tragedia, la comedia y la historia, lo que enriqueció la profundidad de sus obras. A pesar de que el Barroco inglés no contó con una figura central equivalente a Shakespeare, dramaturgos como John Webster y Philip Massinger continuaron desarrollando obras igualmente complejas y multifacéticas, a menudo desafiando las reglas clásicas en favor de una mayor libertad estructural.

En España, durante el Renacimiento y el Barroco, Lope de Vega fue el principal exponente de la ruptura con las unidades dramáticas clásicas. En su obra Arte nuevo de hacer comedias, Lope defendió una estructura flexible que permitía el uso de varios escenarios y saltos temporales. Esto le permitió crear tramas más dinámicas y complejas, a diferencia de las estrictas reglas de unidad de tiempo que limitaban las obras a un solo día. Obras como Fuenteovejuna muestran su enfoque innovador, combinando lo trágico con lo cómico y explorando temas como la justicia y la rebelión popular. Durante el Barroco, otros dramaturgos españoles como Tirso de Molina y Calderón de la Barca continuaron siguiendo el modelo de Lope, creando obras que, aunque más estructuradas, mantuvieron una gran libertad en su desarrollo narrativo y temporal.

En Francia, el teatro clásico del siglo XVII, influenciado por las reglas estrictas de las unidades dramáticas, se desarrolló bajo la figura de dramaturgos como Pierre Corneille, Jean Racine y Molière. A diferencia de los ingleses y españoles, los autores franceses respetaron más las convenciones teatrales clásicas, especialmente las tres unidades, pero de una forma refinada. Molière, conocido por sus comedias, utilizó la sátira para criticar los vicios de la sociedad francesa, como en Tartufo, una obra que critica la hipocresía religiosa. Racine, por su parte, se destacó en la tragedia clásica, influenciado por la tragedia griega, creando obras como Fedra y Andrómaca, que se caracterizan por su profunda exploración emocional y filosófica, pero siempre dentro de las estrictas unidades dramáticas.

En resumen, mientras que los dramaturgos ingleses y españoles rompieron abiertamente con las unidades dramáticas para explorar estructuras más flexibles y complejas, los franceses, aunque respetaron más las convenciones, perfeccionaron el teatro dentro de esas normas. Cada tradición dejó una huella duradera en la evolución del teatro, ya sea en la forma de libertad estructural en Inglaterra y España, o en la refinada claridad de la tragedia clásica en Francia.

GÉNERO TEATRAL EN LA LITERATURA CLÁSICA

En la literatura clásica, el género teatral fue una de las formas más importantes de expresión cultural y artística, especialmente en la antigua Grecia y Roma. Los géneros teatrales más relevantes en este contexto fueron:

• TRAGEDIA: La tragedia era un género dramático que se centraba en temas graves y profundos, como el destino humano, la lucha entre el bien y el mal, la moralidad, y los dilemas existenciales. Generalmente, las tragedias presentaban personajes nobles, y sus historias estaban marcadas por el sufrimiento y la catástrofe, muchas veces debido a un error trágico o hamartia del protagonista.

AUTORES DESTACADOS

ESQUILO

Esquilo (525-456 a.C.) fue un dramaturgo griego, nacido en Eleusis, conocido como uno de los tres grandes trágicos de la antigua Grecia, junto con Sófocles y Eurípides. Fue un hombre de origen noble que participó activamente en las guerras contra los persas, lo que influyó en muchas de sus obras, especialmente en su reflexión sobre la guerra, la justicia y el destino. Esquilo destacó por ser el primero en introducir un segundo actor en el escenario, lo que permitió el desarrollo del diálogo y la complejidad dramática, alejándose del formato más primitivo de la tragedia.

Entre sus obras más destacadas se encuentran La Orestíada, una trilogía que aborda el ciclo de venganza en la familia de los Atridas, y Los Persas, que es una de sus obras más antiguas, representando la derrota de los persas en la batalla de Salamina. Esquilo también escribió Los Siete contra Tebas y Prometeo encadenado, explorando temas como el sufrimiento humano, la justicia divina y la lucha contra el poder de los dioses.

Esquilo destacó por su estilo solemne y épico, con un enfoque en la moralidad, la responsabilidad y la ley divina. Sus obras influenciaron profundamente el desarrollo del teatro clásico y el pensamiento filosófico, convirtiéndolo en una figura fundamental en la historia de la literatura.

SÓFOCLES

Sófocles (497/6 - 406 a.C.) fue un destacado dramaturgo griego, considerado uno de los tres grandes trágicos de la antigua Grecia junto a Esquilo y Eurípides. Nació en Colona, cerca de Atenas, en una familia acomodada, y destacó no solo por su talento literario, sino también por su participación en la vida pública de Atenas. Sófocles introdujo importantes innovaciones en el teatro, como el uso de un tercer actor, lo que enriqueció el desarrollo de los personajes y el conflicto dramático. Además, amplió el papel del coro y mejoró la escenografía.

Entre sus obras más importantes se encuentran Edipo Rey, Antígona y Electra. Edipo Rey es probablemente su tragedia más famosa, que trata sobre el destino y la ceguera metafórica, abordando el complejo tema del autoconocimiento y el sufrimiento humano. Antígona es otra obra clave, que presenta un dilema moral entre la ley divina y la ley humana.

Sófocles destacó por su habilidad para explorar las emociones humanas y los conflictos morales. Sus personajes suelen enfrentarse a dilemas profundos y su obra se caracteriza por un equilibrio entre lo trágico y lo humano. La influencia de Sófocles en la tragedia griega fue profunda, y su legado perdura como uno de los grandes creadores del teatro clásico.

EURÍPIDES

Eurípides (480-406 a.C.) fue uno de los más grandes dramaturgos griegos, nacido en Salamina y considerado uno de los tres grandes trágicos junto a Esquilo y Sófocles. A diferencia de sus contemporáneos, Eurípides se caracterizó por un enfoque más realista y humano en sus obras, a menudo mostrando personajes complejos, con emociones y dilemas más cercanos a la realidad cotidiana. Fue un innovador al cuestionar las normas y valores tradicionales, lo que le granjeó tanto admiradores como detractores en su tiempo.

Entre sus obras más importantes se encuentran Medea, Electra, Las Bacantes y Hipólito. Medea es una de sus tragedias más emblemáticas, en la que la protagonista, tras ser traicionada por su esposo, lleva a cabo una venganza brutal, lo que plantea profundas cuestiones sobre la justicia, la pasión y la venganza. Las Bacantes aborda el conflicto entre la razón y el caos, representado por el dios Dionisio y el rey Penteo.

Eurípides destacó por su capacidad para explorar la psicología humana, mostrando la vulnerabilidad, la contradicción y los aspectos oscuros de sus personajes. Su estilo se caracterizó por el uso de un lenguaje más accesible y directo, lo que permitió que sus obras llegaran a un público más amplio. A pesar de las críticas de su época, su influencia en el teatro y en la literatura occidental fue enorme, dejando una huella duradera en la tragedia griega.

• COMEDIA:La comedia, en contraste con la tragedia, tenía un tono más ligero y humorístico. Las comedias clásicas solían tratar temas de la vida cotidiana, y sus personajes eran más comunes y menos heroicos. Se burlaban de las costumbres sociales, políticas y de los vicios humanos. Las comedias a menudo presentaban situaciones absurdas o exageradas para provocar la risa.

MENANDRO

Menandro (342-291 a.C.) fue un dramaturgo griego, considerado el máximo exponente de la comedia nueva, un estilo que surgió en Atenas tras la época clásica de Aristófanes. Nació en Atenas y vivió durante un período de transición política y social, lo que influyó en su obra, que reflejaba la vida cotidiana de la ciudad, con un enfoque en los problemas personales y familiares, a menudo con un tono más suave y menos político que la comedia antigua. Menandro destacó por su habilidad para crear personajes complejos y situaciones cómicas que exploraban las emociones humanas y las relaciones sociales.

Una de sus obras más famosas es El Misántropo (aunque se ha perdido gran parte de la obra), que trata sobre un hombre que odia a la humanidad y se ve atrapado en sus propios prejuicios. Otras obras importantes incluyen El árbitro, La prisionera y El Samio.

Menandro destacó por su capacidad para crear comedias de carácter, con énfasis en las emociones humanas y las situaciones cotidianas. Sus obras eran menos políticas y más centradas en la moralidad individual, los enredos amorosos y las tensiones familiares, lo que le permitió atraer a un público más amplio. Su influencia fue crucial en el desarrollo de la comedia romana, particularmente en el trabajo de Plauto y Terencio.

PLAUTO

Plauto (c. 254-184 a.C.) fue un dramaturgo romano considerado uno de los más grandes exponentes de la comedia en la antigua Roma. Nació en Sarsina, una ciudad en la región de Umbría, y se trasladó a Roma, donde comenzó su carrera en el teatro. Su estilo cómico se basaba en la adaptación de las comedias griegas, especialmente las de la comedia nueva, de Menandro, aunque las hizo más accesibles y populares al público romano, añadiendo elementos de sátira social y exageración.

Entre sus obras más importantes se encuentran Anfitrión, La comedia de los errores, Miles Gloriosus y Pseudolus. Estas comedias estaban llenas de enredos, confusión de identidades y situaciones absurdas, características que marcaron la comedia romana. Miles Gloriosus, por ejemplo, es una sátira sobre los militares presumidos y las trampas amorosas.

Plauto destacó por su uso del lenguaje popular y su aguda crítica social, presentando personajes cómicos, como esclavos ingeniosos, soldados arrogantes y jóvenes enamorados. Su habilidad para combinar el humor físico con el diálogo ingenioso lo convirtió en un maestro de la comedia, influyendo notablemente en la dramaturgia romana y en escritores posteriores como Terencio y Molière.

TERENCIO

Publio Terencio Afro (190 a.C. - 159 a.C.) fue un dramaturgo romano conocido por sus comedias refinadas y elegantes. A diferencia de Plauto, que usaba un estilo más burlesco, Terencio adoptó un enfoque más serio y moralizante, abordando temas como las relaciones familiares, el amor y la moralidad. Sus obras más conocidas incluyen "Andria", "Phormio", "Eunuchus" y "Adelphoe".

La comedia de Terencio se centraba en situaciones cotidianas, con personajes más complejos y realistas. Se caracterizó por un estilo refinado, con énfasis en el diálogo y el desarrollo emocional de los personajes. Aunque sus obras son principalmente de entretenimiento, también ofrecían reflexiones sobre las costumbres de la sociedad romana.

Terencio influyó profundamente en el teatro posterior, especialmente durante el Renacimiento. Su estilo y su capacidad para tratar temas universales y complejos hicieron de él una figura clave en el desarrollo de la comedia en la literatura occidental.